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Scrivere una sceneggiatura significa trasformare un’idea in un copione chiaro, visivo e producibile. Dal soggetto alla logline, dal trattamento allo script, qui trovi metodo e buone pratiche per arrivare alla pagina con sicurezza. L’obiettivo: una storia leggibile che inviti lettori, produttori e sceneggiatori a credere nel tuo progetto.
Parti da un’idea chiara, sintetizzala in logline e sinossi, struttura la trama in tre atti, pianifica la scaletta, rispetta il formato professionale e riscrivi con metodo. Così il tuo copione sarà comprensibile, valutabile e pronto per il passo successivo.
Cos’è una sceneggiatura?
È un documento narrativo e tecnico: racconta la storia e, insieme, indica come girarla. A differenza del romanzo, privilegia azione e dialoghi, con linguaggio visivo e conciso. Una buona sceneggiatura comunica intenzioni di regia senza dirigere, suggerendo tempo, luogo e ritmo di ogni scena.
Qual è la differenza tra sinossi e trama?
La sinossi è il riassunto essenziale della storia (mezza o una pagina), senza dialoghi né dettagli superflui. La trama è la sequenza degli eventi con nessi causa-effetto: come e perché i fatti accadono. A monte c’è la logline, una sola frase che cattura il cuore dell’idea.
Quante pagine deve avere una sceneggiatura?
Per un film, spesso 90–120 pagine: per convenzione, una pagina corrisponde a circa un minuto su schermo. Questo aiuta a stimare durata e ritmo durante la scrittura.
Passaggi essenziali
- Definisci l’idea e il tema centrale.
- Costruisci la logline in una frase chiara.
- Sviluppa soggetto e sinossi breve.
- Disegna personaggi con obiettivi e conflitti.
- Pianifica la struttura in tre atti, con punti di svolta.
- Stendi la scaletta scena per scena.
- Scrivi il trattamento, poi la prima stesura.
Dal soggetto alla prima stesura
Parti dal tema: cosa vuoi dire davvero? Trasformalo in logline, una frase con protagonista, obiettivo, ostacolo e posta in gioco. Poi espandi in soggetto (mezza pagina) e quindi in sinossi di 1–2 pagine: qui verifichi tenuta, tono e arco emotivo.
Prima di buttarti sulla pagina, scrivi una scaletta asciutta:
elenco di scene numerate con luogo, azione e svolta. Quando ti chiedi come scrivere una logline efficace, pensa a una promessa di storia: deve far capire chi, cosa vuole e cosa rischia se fallisce. Le carte su un tavolo o una bacheca aiutano a vedere ritmo e ripetizioni.
Esempio di logline
“Un giovane fornaio che odia la competizione deve vincere il concorso cittadino entro una settimana per salvare il negozio di famiglia, scontrandosi con una rivale imbattibile.” Pochi elementi, massima chiarezza: obiettivo, ostacolo, tempo e posta.
Struttura in tre atti, spiegata semplice
La struttura in tre atti ti aiuta a distribuire conflitti e decisioni, evitando zavorre. Nella pratica: Atto I presenta mondo e incidente scatenante; Atto II complica e ribalta; Atto III risolve. Questo schema, reso popolare da Syd Field, parla di Setup, Confrontation, Resolution, con un punto di mezzo a metà storia.
- Atto I – Setup: presenta protagonista, mondo e desiderio. L’incidente scatenante rompe l’equilibrio. Chiudi l’atto con una scelta irreversibile che spinge nel nuovo mondo.
- Prime sequenze del II: il protagonista testa strategie. L’antagonista si delinea. Introduci un obiettivo chiaro di breve periodo per mantenere tensione e direzione.
- Punto di mezzo: ribalta di prospettiva o informazione chiave. Alza posta e conflitto. Qui spesso cambia la domanda centrale (“cosa” diventa “come” o “a che prezzo”).
- Seconda metà del II: conseguenze più dure, fallimenti, sacrifici. Il protagonista paga le scelte. Semina elementi per il climax, evitando coincidenze comode.
- Fine Atto II: “tutto è perduto”. La perdita costringe a una nuova linea d’azione. Evita deus ex machina: la soluzione nasce da un dettaglio seminato.
- Atto III – Resa dei conti: il climax mette insieme decisione e cambiamento. Mostra come il protagonista è diverso e cosa ha imparato davvero.
- Epilogo: immagini che confermano la nuova normalità. Chiudi archi e relazioni in modo coerente, lasciando una risonanza emotiva più che una spiegazione.
- Durata orientativa: se il film dura 100 minuti, Atto I ~25, II ~50, III ~25. Non è matematica: ascolta ritmo e genere, senza rigidità.
Formato professionale: le basi
Il formato standard di sceneggiatura serve a leggere e valutare velocemente: Courier 12, margini specifici, intestazioni scena coerenti.
Non è estetica: è una convenzione che facilita tempi, stime e comunicazione sul set.
Intestazioni scena: “INT.” (interno) o “EXT.” (esterno), luogo e momento (“GIORNO/NOTTE”). Azione in presente, concreta e visiva. Dialoghi centrati, con nome del personaggio in maiuscolo e indicazioni sobrie tra parentesi (le cosiddette “parentheticals”). “V.O.” indica voice over; “O.S.” voce fuori campo prossima.
Transizioni (“CUT TO:”) sono rarissime e solo quando aggiungono senso. Evita regia in pagina: la sceneggiatura suggerisce, non impone. Se usi un suono o un oggetto chiave, nomina la prima occorrenza in maiuscolo per visibilità della troupe, senza abusarne.
Ritmo, dialoghi e revisioni
Una scena ha un micro-obiettivo: entra tardi, esci presto. Alterna intensità, silenzi e conflitto per evitare monotonia. I dialoghi rivelano carattere e obiettivi: elimina saluti, spiegoni e battute intercambiabili. Se puoi mostrare, non dire.
Lavora per passaggi: prima stesura veloce, poi taglia, compatta, chiarifica. Leggi ad alta voce; se inciampi, riscrivi. Un table read con amici o colleghi evidenzia ritmo e snodi opachi. Usa feedback mirato (“cosa non è chiaro?”) e tieni traccia delle modifiche.
Quando usare flashback o voice over?
Usali quando aggiungono informazione o emozione che la linea presente non può dare con la stessa efficacia. Un flashback funziona se crea sorpresa o chiarisce una scelta, non come scorciatoia. Il voice over è efficace se contrasta o amplifica le immagini, non se ripete ciò che già vediamo.
Esempio di sinossi
“In una cittadina di mare, una giovane biologa marina scopre che la barriera corallina è in pericolo. Per salvarla, deve convincere il sindaco e la comunità a cambiare rotta prima dell’alta stagione, mentre affronta il ritorno dell’ex collega che l’aveva delusa.” Una pagina basta per mappare arco emotivo e posta.
Domande frequenti
Quante pagine deve avere una sceneggiatura di film?
Di solito tra 90 e 120, perché per convenzione una pagina equivale a circa un minuto. Durata e genere incidono: thriller e commedie tendono a essere più serrati, drammi più ampi.
Quale software è consigliato per scrivere?
Puoi usare software specifici per sceneggiatura con modelli e formattazione automatica, oppure un editor di testo configurato con Courier 12 e stili coerenti. Scegli in base al flusso di lavoro e alla collaborazione.
Come proteggere la propria idea?
Le procedure variano per paese. Informati presso enti competenti e valuta il parere di un professionista qualificato. Conserva bozze e invii datati per documentare la paternità del lavoro.
Come inviare la sceneggiatura a produttori o festival?
Segui linee guida di invio, prepara sinossi e logline, rispetta formati richiesti. Molti studi non accettano invii non sollecitati: valuta agenzie, concorsi o laboratori che fanno da filtro.
Qual è la differenza tra soggetto, trattamento e sceneggiatura?
Il soggetto è l’idea estesa in poche righe; il trattamento racconta la storia in prosa, scena per scena, senza dialoghi compiuti; la sceneggiatura è il copione formattato con dialoghi, azioni e intestazioni.
Come presentare una sinossi efficace?
Sintetizza il conflitto centrale, i personaggi chiave e l’arco principale, evitando sottotrame. Usa verbi attivi, niente dialoghi o dettagli di regia. Punta alla chiarezza e all’emozione, non alla completezza.
Cosa ricordare davvero
- Chiarisci idea, tema e logline prima di scrivere.
- Progetta personaggi e conflitti con obiettivi visibili.
- Organizza la storia con la struttura in tre atti.
- Rispetta formato standard di sceneggiatura e chiarezza.
- Rivedi in più passaggi: dalla scaletta alla pagina.
La sceneggiatura è artigianato: un equilibrio tra metodo e intuizione. Procedi per passaggi, accetta l’idea di riscrivere e non perdere di vista il pubblico. Ogni pagina deve esprimere un’intenzione chiara e spostare qualcosa: un desiderio, una relazione, un rischio.
Raccogli feedback mirati, cura lingua e ritmo, tieni d’occhio il formato. Quando sentirai messi a fuoco tema e conflitto, sarai pronto a far leggere il copione. La coerenza del processo e la cura dei dettagli faranno la differenza nel percorso verso la produzione.