8 
0 
Che tu stia iniziando o voglia migliorare, questa guida pratica ti accompagna nella sceneggiatura: dal concept alla revisione, con principi chiari, esempi e piccoli esercizi. Affronteremo script e copione con una scrittura per il cinema orientata a dialoghi efficaci e a scene che scorrono.
In breve: parti da un’idea chiara, applica la struttura in tre atti, progetta scene con obiettivi e ostacoli, scrivi battute con subtesto e ritmo, poi revisiona tagliando il superfluo. Usa formattazione standard e test di lettura per rendere il testo leggibile e producibile.
Che cos’è una sceneggiatura?
È un documento narrativo e tecnico che descrive azione e dialoghi, scene, ambienti e tempi. Serve a trasformare una storia in immagini, suoni e performance, guidando il lavoro cinematografico, televisivo e, in alcune forme, teatrale.
Scriverla in formattazione standard facilita la lettura, la scomposizione in scene e la produzione: uniforma margini, font e intestazioni, così chi legge scorre senza inciampi e può passare dal tavolo alla messa in scena.
Qual è la struttura in tre atti?
La struttura in tre atti organizza l’arco della storia in setup, confronto e risoluzione, aiutando chiarezza e ritmo. È un modello flessibile: non ingabbia, ma orienta.
- Primo atto (setup). Presenta mondo, tono e protagonista, introduce l’incidente scatenante e porta al primo punto di svolta. Il pubblico capisce cosa vuole l’eroe e cosa rischia.
- Secondo atto (confronto). Complicazioni crescenti mettono alla prova il protagonista; al centro spesso c’è un midpoint che ribalta o chiarisce le poste in gioco. Il protagonista compie scelte difficili.
- Terzo atto (risoluzione). Conflitto alla massima tensione, climax e conseguenze. Le linee narrative trovano chiusura coerente, mostrando come gli eventi abbiano cambiato i personaggi.
Nei lungometraggi, molti manuali collocano il primo punto di svolta intorno a pagina 25–30, il midpoint circa a 55, il secondo punto di svolta verso 85–90: indicazioni utili, non dogmi.
Passi essenziali di sceneggiatura
- Definisci il concept e il conflitto.
- Sviluppa protagonisti con obiettivi chiari.
- Costruisci la struttura in tre atti.
- Scrivi scene con obiettivi e ostacoli.
- Cura battute e subtesto con precisione.
- Rivedi tagliando, riscrivendo e lucidando il ritmo.
Come si scrivono battute credibili?
I dialoghi funzionano quando rivelano personaggi e muovono la storia, senza spiegare troppo. Lavora sul subtesto, punta a verbi attivi e lascia parlare le azioni; e ricorda la regola pratica: una pagina = un minuto.
- Allena l’orecchio. Ascolta come parlano le persone e nota lessico, pause, interruzioni. Poi distilla: il realismo in scena è un’illusione controllata, non una trascrizione grezza.
- Scrivi obiettivi, non “chiacchiere”. Ogni battuta nasce da un’intenzione: convincere, evitare, provocare, ottenere. Quando l’intenzione cambia, il dialogo cambia ritmo e scelta delle parole.
- Fai lavorare il subtesto. I personaggi raramente dicono ciò che provano; lo aggirano, lo coprono, lo contraddicono. Il sottinteso è spesso più potente della dichiarazione.
- Varia lunghezza e sintassi. Alterna colpi brevi e frasi più ampie per creare musica verbale. Le pause strategiche danno peso, le sovrapposizioni suggeriscono tensione.
- Taglia l’esposizione. Se due personaggi si dicono cose che già sanno “per informare lo spettatore”, il risultato suona finto. Mostra informazioni attraverso azioni e scelte.
- Preferisci verbi attivi e immagini concrete. Evita avverbi riempitivi e frasi vaghe; specificità e dettagli concreti accendono l’immaginazione.
- Prova ad alta voce. Leggi con altri; registra e riascolta. Se una battuta inciampa, probabilmente va riscritta o spezzata.
Quanto deve durare una scena?
Non esiste un numero fisso: conta la funzione narrativa. La regola “una pagina = un minuto” è una bussola utile per prevedere durata e ritmo, ma non sostituisce il giudizio creativo e la coerenza del tono.
Come progettare scene efficaci?
Ogni scena dovrebbe avere un obiettivo chiaro, ostacoli credibili e una trasformazione tra inizio e fine. Entra tardi, esci presto: arriva al punto e lascia che lo spettatore completi gli spazi con l’immaginazione.
- Definisci il fulcro. Cosa cambia davvero per il personaggio? Se nulla cambia, la scena è forse da fondere o tagliare.
- Mappa gli ostacoli. Persone, luoghi, regole o limiti di tempo: ostacoli diversi generano conflitti diversi.
- Mostra, non dire. Un gesto può sostituire una spiegazione; un oggetto può attivare memoria o desiderio più di un monologo.
- Cura entrata e uscita. Inizia vicino all’evento scatenante e chiudi dopo la svolta, evitando code spiegative.
Errori comuni da evitare
- Scena senza conflitto. Senza frizione, tutto è piatto. Introduci un impedimento esterno o un dubbio interno e fai pagare un prezzo alla scelta.
- Dialoghi che spiegano troppo. Spostali in azione o visivo; se una informazione è tecnica, diluiscila in più momenti e legala a conseguenze concrete.
- Mancanza di obiettivo. Se il protagonista non vuole nulla in una scena, lo spettatore non sa cosa aspettarsi. Chiediti: “Cosa prova a ottenere, ora?”.
- Cambi di tono non motivati. L’umorismo in mezzo al dramma può funzionare, ma serve una giustificazione. Altrimenti spezza la sospensione dell’incredulità.
- Troppi personaggi in scena. Due o tre voci sono gestibili; oltre, il punto focale si perde. Accorpa ruoli o sposta funzioni.
- Azioni non filmabili. Emozioni interiori vanno rese con comportamenti osservabili, scelte e conseguenze, non con note al lettore.
- Didascalie di regia invasive. Evita movimenti di camera non essenziali: concentra le indicazioni su ciò che è necessario alla storia e al senso della scena.
- Ritmo uniforme. Alterna compressione e dilatazione del tempo; fai respirare dopo un climax, accelera prima di una decisione difficile.
Domande frequenti
Quante pagine dovrebbe avere un lungometraggio?
In genere tra 90 e 120 pagine, ma la durata dipende da ritmo, genere e budget. Usa la stima “una pagina ≈ un minuto” come riferimento elastico, non come vincolo rigido.
Qual è la differenza tra soggetto, trattamento e sceneggiatura?
Il soggetto riassume l’idea in poche pagine; il trattamento racconta la storia in prosa scena per scena; la sceneggiatura aggiunge dialoghi, struttura tecnica e indicazioni di produzione.
Come devo formattare una sceneggiatura?
Adotta una formattazione standard leggibile (font monospazio, intestazioni di scena coerenti, indicazioni per dialoghi e azioni). La coerenza consente a lettori e troupe di stimare lunghezze e costi con facilità.
Quali strumenti usare per scrivere?
Va bene un editor di testo, ma i software dedicati semplificano formattazione, numerazione delle scene, revisioni e report. Scegli quello che ti fa scrivere più velocemente con meno attrito.
Come proteggere il proprio lavoro?
Conserva timestamp affidabili delle versioni (file, email, depositi) e informati sui servizi di deposito opere nel tuo paese. Le regole variano: valuta consulenza qualificata prima di procedere.
Come presentare un progetto a produttori o bandi?
Prepara logline, sinossi, note d’intenti e sceneggiatura pulita. Rispetta formato e lunghezze richieste dal bando o dalla società, e invia materiale mirato al genere di interesse.
Punti chiave e prossimi passi
- Definisci idea, conflitto e protagonisti.
- Applica una struttura chiara in atti e snodi.
- Progetta scene con obiettivi, ostacoli e cambiamento.
- Scrivi dialoghi con subtesto e ritmo.
- Revisiona: taglia, riscrivi, ascolta a voce alta.
Scrivere è anche riscrivere: la prima stesura ti fa esplorare, le successive danno forma. Procedi per cicli brevi: pianifica, scrivi, rileggi, chiedi feedback, poi integra ciò che serve. Sii severo con ciò che non serve alla storia e generoso con ciò che la rende viva. Un tavolo di lettura con amici o colleghi ti aiuterà a sentire ritmo e chiarezze. Con costanza, obiettivi misurabili e un processo di revisione, pagina dopo pagina costruirai una base solida per il lavoro di set e post-produzione.